ALBERTO MAGNELLI

Geboren 1888 in Florenz, gestorben 1971 in Paris.

Als Zeitgenosse und Freund großer Künstler nimmt Alberto Magnelli einen bedeutenden Platz in der Kunstgeschichte ein. Der weise und innovative Florentiner Maler war einer der ersten, der den Weg der Abstraktion beschritt. Geboren 1888 in Florenz in eine Familie von Textilfabrikanten, war Magnelli, wie so viele seiner Generation, Autodidakt. Nach einem kurzen Flirt mit dem Futurismus ging er nach Paris (wo er sich 1932 niederließ) und schloss sich der klassischen „Rückkehr zur Ordnung“ an, die in den Goldenen Zwanzigern so viele Künstler prägte. Schließlich bewegte er sich von Mitte der 1930er Jahre bis zu seinem Tod 1971 – auf seine ganz eigene, unkonventionelle Weise – in den Reihen der geometrischen Abstraktion.

Zu Beginn seiner Karriere war Magnelli vom Kubismus fasziniert. Der Florentiner Künstler, dem die Originale unbekannt waren, fügte diesem Stil seine eigenen, intensiv leuchtenden Farben hinzu, die letztlich eher der Ausgelassenheit Matisses als den Tönen Picassos entsprachen. Wie alle Künstler seiner Zeit zog es ihn nach Paris, und so besuchte er die Stadt im späten Frühjahr 1914, um endlich kubistische Gemälde mit eigenen Augen zu sehen. Er lernte Apollinaire, Picasso, Fernand Léger sowie Max Jacob, Alexandre Archipenko und andere kennen, darunter auch Umberto Boccioni und weitere italienische Avantgarde-Künstler, die dort lebten. Magnellis Gemälde aus diesen Jahren sind schlichtweg umwerfend: klare, heitere und prosaische Alltagsszenen, stets mit präzisen Formen und leuchtenden Farben dargestellt, sowie einige geometrische Stillleben. Magnellis erste vollständig abstrakte Gemälde stammen aus dem Jahr 1915. Diese Gemälde zeichnen sich durch die Gegenüberstellung geometrischer Formen und leuchtender Farben aus, deren Malweise mitunter an Robert Delaunay erinnert. Unmittelbar danach, um 1920, entwickelte sich Magnellis Werk im Einklang mit einer Metaphysik, die er „imaginären Realismus“ nannte. Seine Arbeiten näherten sich damit den räumlichen Experimenten an, die in den metaphysischen Gemälden De Chiricos praktiziert wurden. 1932 ließ er sich in Paris nieder. In der französischen Hauptstadt wurde Magnelli, zusammen mit Auguste Herbin, Wassily Kandinsky, Franz Kupka und Piet Mondrian, zu einer der führenden Figuren der Abstraction-Création. Zu Magnellis wichtigsten Gemälden aus den frühen 1930er Jahren zählt die „Steine“, die von seinem Besuch der Carrara-Marmorbrüche im Jahr 1932 inspiriert wurde. „Steine“, die viele Jahre später, 1981, Italo Calvino zu einem Text inspirierte, half Magnelli, den Übergang von der Figuration zur Abstraktion fließend zu gestalten. Diese Gemälde zeichnen sich durch extreme kompositorische und farbliche Zurückhaltung aus. Sie zeigen Felsen in Grau-, Ocker-, Blau- und Weißtönen vor kargen Hintergründen, die mitunter im Bildraum zu schweben scheinen. Die Transparenzen und leeren Formen, die zu wichtigen Kennzeichen seiner abstrakten Malerei werden sollten, sind in dieser Serie bereits deutlich erkennbar.

1934 hatte Magnelli seine erste Einzelausstellung in der Pariser Galerie Pierre. Ab 1935, nachdem er seine Serie „ Steine“, fand er zu seinem eigenen künstlerischen Ausdruck. Geometrie und organische Formen bildeten nun eine Einheit in seinen Gemälden, wobei er die figurative Darstellung endgültig aufgab und sich der reinen Abstraktion zuwandte. Von 1938 bis fast zu seinem Tod widmete sich Magnelli mit großer Fantasie und großem Talent der Collagekunst, mal auf Stahlplatten, mal auf Faserplatten oder Karton, Keramikfragmenten, Seilresten und sogar getrockneten Ästen und Blättern. In den 1940er und 50er Jahren wurden seine Werke in Gruppenausstellungen mit Domela, Kandinsky und Nicolas de Staël gezeigt. Später war er in den aufstrebenden Salons des Réalités Nouvellesund in der Zeitschrift Art d’Aujourd’hui.

Alberto Magnelli war den formalen Vorschlägen der ihn umgebenden Kunstrichtungen nie gleichgültig, doch da er stets seine Unabhängigkeit verteidigte, beteiligte er sich an keiner Bewegung und schloss sich keiner Gruppe an. Trotz seiner Freundschaften mit Avantgarde-Künstlern waren die Florentiner Freskenmaler Magnellis wahre Inspirationsquelle. Von ihnen lernte er alles, was seiner Malerei ihren unverwechselbaren und einzigartigen Charakter verleihen sollte: Monumentalität, die Weite der Komposition, die Schlichtheit der Formen, den Kontrast zwischen Volumen und Leerraum und vor allem die Strenge der Farbe, die, ohne vor den leuchtendsten Tönen zurückzuschrecken, subtile Nuancen sowie erdige und ockerfarbene Töne bevorzugte. Magnelli war besonders von der Idee beeinflusst, dass Malerei nicht nur eine Erzählung oder ein Bild sein sollte, sondern in erster Linie ein plastisches Phänomen, eine präzise und strenge Konstruktion von Farbe.

Magnellis Werk bezieht seine Kraft aus seinen formalen und visuellen Werten, die sich im autonomen Raum des Werkes selbst entfalten. Vereinfachung und Reduktion sind zentrale Aspekte seines Ansatzes, den er als von Fantasie und Rhythmusgefühl geleitet beschreibt, nicht von einer starren Methode. Obwohl er die Idee eines übermäßig methodischen Vorgehens ablehnt, ist seine Arbeit der fortschreitenden Eliminierung bewusst und hat ihn von der Sphäre der gegenständlichen Formen zur Sphäre der reinen Formen geführt. Als Träger des Guggenheim-Preises für Italien im Jahr 1958 widmete Magnelli seine späteren Jahre der Wiederentdeckung konstruktivistischer Träume, die er mit seinem traditionellen expressiven Farbstil neu bearbeitete. Darauf folgte eine Reihe zunehmend prägnanter Geometrien, Formen und Formstrukturen. Die Verwendung überlappender Linien und Formen, die Variation der Konturfarben und das Verhältnis verschiedener Farbflächen erinnern an die Studien zur „Gewichtung der Farben“, die Magnelli zu Beginn seiner Karriere faszinierten. Das Ergebnis ist in jedem Gemälde ein neuer Raum, eine „Atmosphäre, in der man reisen kann“, wie der Künstler selbst es ausdrückt.

Hans Arp, ein Freund Magnellis, beschrieb dessen Werk als „florale Geometrie, stürmische Abstraktion“. Magnellis Gemälde betonen subtile Liniendetails, wie leichte Unregelmäßigkeiten, die die Handschrift des Künstlers erkennen lassen, sowie Verschiebungen in der Ebene, die die Illusion von Transparenz erzeugen. Darüber hinaus schafft das beinahe unmerkliche Zusammenspiel von Linien und Farben eine Textur, die sich dem aufmerksamen Betrachter nach und nach erschließt. Letztlich offenbart seine Kunst, wie die von ihm so bewunderten Florentiner Fresken, jenseits des Sujets demjenigen, der zu sehen vermag, die Geheimnisse der Malerei.