VICTOR VASARELY

Geboren 1906 in Pécs, Österreich-Ungarn, gestorben 1997 in Paris.

Victor Vasarely, der Vater der Op-Art, wurde 1906 in Pécs, Ungarn, geboren. Er war Autodidakt und erhielt keine formale Ausbildung, bis er sich 1929 am Műhely, dem „Bauhaus von Budapest“, einschrieb. Nach seinem Abschluss widmete er sich der Wiederherstellung der gesellschaftlichen Funktion der Kunst. Im folgenden Jahr, 1930, zog er nach Paris, wo er seinen Lebensunterhalt im Druckgewerbe verdiente und insbesondere Plakate für die Pharmawerbung entwarf. In seinen frühen Pariser Jahren schuf Vasarely seine ersten optischen Werke, vorwiegend geometrische Entwürfe für den Stoffdruck.

Obwohl Vasarely während seines Studienjahres an der Akademie in Műhely mit den Prinzipien der geometrischen Abstraktion vertraut gemacht wurde, widmete er sich der abstrakten Malerei erst in den 1950er Jahren vollständig. In dieser Zeit entwickelte sich seine Faszination für den Kosmos, den interstellaren Raum und utopische Visionen außerirdischer Welten. Ab 1947/48 war Vasarely tief beeindruckt von der Idee der Verschmelzung von Formen in der Natur sowie von deren Wahrnehmung und mentaler Formung. Er entwickelte ein bemerkenswertes Abstraktionsvermögen, überzeugt davon, dass Formen – Schatten, Licht, Pflanzen, Himmelskörper – eine eigene Existenz und Dynamik besitzen. Nach der „Belle-Isle“-Periode (1947–1954) trat in seinem Werk ein optischer Impuls hervor, gefolgt von der „Denfert“-Periode (1938–1951/58) und der „Gordes-Cristal“-Periode (1948–1960). Victor Vasarely widmete sich der Suche nach der reinen Komposition und glaubte, sie mit der Vereinigung von Farbe und Form erreicht zu haben. Die Schwierigkeit, zwischen Zeichen und Symbol der Formen zu unterscheiden, überwand er jedoch erst später, insbesondere ab 1955, als er die „Schwarz-Weiß“-Periode (1951–1963) entwickelte. Durch deren radikale, binäre Farbwahl gelang es ihm, das Abstrakte in geometrischen Formen einzufangen. Ab 1955 verwendete Vasarely in seinen Forschungen zunehmend einfache geometrische Formen (Quadrate, Kreise, Ovale, Rauten), die er als „plastische Einheiten“ bezeichnete.

Diese binären Einheiten bilden die Grundlage seines „plastischen Alphabets“. Betrachtet man die Komponenten dieses Alphabets, so stellt man fest, dass Vasarely es im Wesentlichen auf sechs Farben stützt: Rot, Blau, Grün, Gelb, Violett und Grau, wobei jede Farbe zwölf bis fünfzehn Schattierungen aufweist (die hellste trägt die Nummer 1, die dunkelste zwischen 12 und 15). Gelegentlich verwendet er Mischungen anderer Farben sowie Gold und Silber. Vasarely nutzt diese Farben auf einem quadratischen Untergrund, auf dem verschiedene geometrische Formen wie Quadrat, Dreieck, Kreis, Raute oder Ellipse angeordnet sind. Wie in einer musikalischen Komposition lässt Vasarely die inneren Resonanzen seiner plastischen Einheiten zum Ausdruck kommen.

Vasarelys Abstraktion lässt sich nur im Lichte seiner Perspektive verstehen: Er erlebte seine Zeit als eine Expansion, eine Zunahme und sogar eine Vermehrung des Visuellen. In seiner von optischen Forschungen geprägten Kunst wurden die menschliche Wahrnehmung und ihre Beziehung zum Universum zum zentralen Thema. Geometrische Formen und Farben etablierten sich als die neue Sprache des modernen Menschen. Der Akt des Sehens ist keine passive Betrachtung des Werkes; der Blick versucht beständig, dessen Gesamtheit zu erfassen, und mit jedem erfolglosen Versuch entstehen neue wahrnehmbare Einheiten. Wir erleben eine Neudefinition der räumlichen Erfahrung von Malerei. Die Zerlegung der Form, aus der Raum in Energie umgewandelt wird, beschränkt sich nicht auf starren Formalismus. Vasarely gestaltet ein dynamisches und anregendes Universum, indem er mit Konvexität und Konkavität sowie mit der Vielfalt räumlicher Spannungen spielt. Innerhalb dieses einzigartigen Projekts gelingt es Vasarely, obwohl er der konstruktivistischen Ästhetik verpflichtet ist, auch einen stilistischen Gegenangriff, also eine Subversion, zu erzielen: Er verzerrt die Wörtlichkeit geometrischer Formen und greift auf verschiedene illusionistische Techniken zurück, um eine Art Manierismus in seiner geometrischen Abstraktion zu erzeugen.

Vasarelys Ziel war stets die Versöhnung von Kunst und Leben. Die Architektur nahm in seinem Denken einen zentralen Platz ein, denn er strebte nach nichts Geringerem als einer Revolution in der Kunst, nicht nur in ihrer visuellen, sondern auch in ihrer architektonischen Form, wie die tiefgreifende Integration seiner Skulpturen in architektonische Räume belegt. In diesem Sinne erweiterte er seine künstlerische Sprache auf Architekturprojekte, die sich um die „polychrome Stadt des Glücks“ drehten. So wirkte er an zahlreichen Bauprojekten mit, darunter die Universität von Caracas (1954) gemeinsam mit dem Architekten Carlos Raúl Villanueva, die Fakultät für Naturwissenschaften auf dem Campus Jussieu (1967), der Bahnhof Montparnasse (1971) und die Fassade des Radiosenders RTL (ebenfalls 1971). Darüber hinaus schuf er Räume, die seinem eigenen Werk gewidmet sind, wie das Vasarely-Museum im Château de Gordes (1970), die Vasarely-Stiftung (1976) in Aix-en-Provence und das Vasarely-Museum in seinem Geburtsort Pécs (1976) und schließlich das Vasarely-Museum auf Schloss Zichy in Budapest (1987).

Die Abstraktion in Victor Vasarelys Werk wurzelt in einer Vision, die sein gesamtes Schaffen durchdringt: „Der moderne Künstler malt nicht länger das grüne Blatt am Baum, sondern fragt sich, woher das Chlorophyll der Natur kommt. Und plötzlich erhebt er sich in die komplexen Strukturen von Raum und Zeit“, sagte er. Dieses Naturbewusstsein führte Vasarely dazu, sich nicht auf das Erscheinungsbild von Objekten zu konzentrieren, sondern auf ihr Wesen, ihre Partikel. So lädt Vasarely den Betrachter ein, das Leben nicht aus der Distanz zu betrachten, sondern in die Wahrnehmung seiner plastischen Elemente einzutauchen, sei es durch architektonische oder skulpturale Werke. Jedes Mal schafft er durch das Zusammenspiel anderer plastischer Komponenten eine räumliche Erweiterung der Formen. Seine Werke basieren auf einer ständigen Spannung, indem er ungewöhnliche Perspektiven und komplex komponierte Wiederholungen nutzt – kurzum, alles, was dem Betrachter weniger vertraut ist – und ihn so zur Reflexion über die Funktionsweise der Wahrnehmung anregt. Die Natur bleibt in Vasarelys Werk allgegenwärtig; er entfernt sich nie wirklich von ihr, sondern sie wird transformiert. Sie wird zu einer Inspirationsquelle, die aus der Entstehung des Universums gespeist wird. Vasarely schöpft Inspiration aus der Entstehung des Universums selbst; seine Elemente mögen stets Zeugnis einer Mimesis , doch diese Mimesis, wie Philippe Junod schreibt, „erhält eine kosmische Dimension, indem sie auf die Entstehung der Welt abzielt.“ Somit existiert nichts von vornherein: Jeder Augenblick ist eine Entdeckungsreise; wir alle sind Neugeborene.