Gottfried Honiger

Geboren 1917 in Zürich, gestorben 2016 in Zürich.

Gottfried Honegger gilt international als eine der führenden Persönlichkeiten der konstruktivistischen Konkreten Kunst. Er begann seine Laufbahn mit einer Lehre als Schaufensterdekorateur, mietete 1936 sein erstes Atelier und widmete sich neben seiner Tätigkeit als Grafiker, Dekorateur und Fotograf der künstlerischen Arbeit. 1939 zog er nach Paris, wo er den Kubismus entdeckte und sich von ihm begeistern ließ. Ende der 1940er-Jahre lud ihn Johannes Itten ein, an der Zürcher Hochschule für Angewandte Kunst zu unterrichten, wo er zuvor ein Jahr studiert hatte. Dort knüpfte er enge Kontakte zu Schlüsselfiguren der Zürcher Konkreten Kunst, darunter Max Bill, Richard Paul Lohse und Camille Graeser. Zehn Jahre später zog er nach New York. Dort arbeitete er zunächst als Grafiker, organisierte 1959 seine erste Einzelausstellung und knüpfte Kontakte zu Künstlern wie Mark Rothko und Sam Francis.

Zurück in Paris widmete sich Honegger ganz der Kunst, behielt aber sein Interesse an angewandter Kunst bei. Er war überzeugt, dass Kunst mit dem Leben und dem Alltag verwoben sein müsse – eine Überzeugung, die seinen Glauben an die Untrennbarkeit von Kunst, Leben und Alltag widerspiegelte. Sein soziales Engagement war unbestreitbar, und er verstand Kunst als Beitrag zur Gesellschaft. Für Honegger sollte Kunst nicht als individuelles Streben, sondern als kollektiver Ausdruck des Geistes gesehen werden, der zur Verbreitung von Schönheit und Harmonie beiträgt. Seiner Ansicht nach inspiriert elementare und zeitlose Schönheit Hoffnung, da sie vom universellen Wunsch nach Aufbau, Integrität, Einheit, Gesundheit, Freiheit und Vitalität zeugt. Ab den späten 1950er Jahren, zu Beginn seiner Karriere als freischaffender Künstler, veränderte Gottfried Honegger seine künstlerische Praxis radikal und wandte sich von der traditionellen Leinwand der Erforschung der Dreidimensionalität zu. Er experimentierte mit quadratischen und rechteckigen Kartonstücken, die er auf die Leinwand aufbrachte und so die Schwelle von der illusionistischen Malerei zur konkreten Abstraktion überschritt. Durch das Auftragen von Öl- oder Acrylfarbe auf diese erhabenen Flächen erzeugte er ein Spiel von Licht und Schatten, das ihren skulpturalen Charakter unterstrich. In seinen kreativen Prozess integrierte Honegger das Element des Zufalls und nutzte sogar Würfel, um die Anordnung der Kartonteile zu bestimmen. Ihn reizten die unvorhersehbaren Formen, die aus dieser echten Zufälligkeit entstanden. Schon früh setzte er Computer als experimentelles Werkzeug ein und nutzte Simulationen von Würfelwürfen, um zufällige Konfigurationen zu generieren, die seine Kompositionen aus Kreissegmenten leiteten. Die Zeit bis 1980 ist geprägt von der Erfindung und Entwicklung der Reliefmalerei, einer revolutionären Kunstform, die zu einem zentralen Element seines Werks wurde. Diese Reliefs entstehen durch das direkte Auftragen der Farbe aus der Tube mit einem Stäbchen – eine Methode, die den persönlichen Ausdruck einschränkt und Raum für unerwartete Ergebnisse lässt, wodurch das Unbekannte Raum erhält. Diese bewusste Reduzierung der persönlichen Kontrolle über das Werk wird durch eine Maltechnik ergänzt, in der Honegger mit den Assoziationen zwischen verschiedenen Farbschichten spielt, um einen lebendigen Farbton zu erzeugen. Die unteren Schichten, die zufällig verteilt sind und einem geometrischen Raster folgen, versuchen nicht, etwas nachzuahmen, sondern dienen vielmehr als Hintergrund für eine chromatische Abstraktion, die die Nuancen des Lebens evoziert.

Honegger setzte seine Auseinandersetzung mit der Ambivalenz zwischen konzeptueller Struktur und sinnlicher Wahrnehmung in seiner Serie von Reliefbildern fort, die er Anfang der 1970er-Jahre vollständig mit Graphit bedeckte. Das Spiel des Lichts auf diesen metallischen Oberflächen moduliert, enthüllt oder verkompliziert die geometrische Strenge der Kompositionen und bestätigt so die Subtilität seines Ansatzes, in dem mathematische Berechnung mit künstlerischer Sensibilität verschmilzt. Das Kunstwerk erfährt dadurch eine Demokratisierung, wird kollektiv und anonym. Das malende Ich wird zum malenden Wir. Anfang der 1990er-Jahre wandte sich Gottfried Honegger von der Tradition der Malerei und ihren rahmenbedingten Beschränkungen ab, um „Objekte“ aus Aluminium zu schaffen. Diese Werke knüpfen an die Fragen der Konzept- und Minimalismus-Künstler an. Er wandte sich von den traditionellen Techniken der Malerei ab und wählte stattdessen industrielle Methoden und Materialien für seine Skulpturen. Seine Überzeugungen hinsichtlich Verantwortung, Gleichheit und Solidarität spiegeln sich in seinen Gemälden, Skulpturen, Reliefs, Collagen, Zeichnungen, Grafiken, Schriften und Werken für den öffentlichen Raum wider. Honeggers Werke laden den Betrachter zur Selbstreflexion ein, angeregt durch seine Auseinandersetzung mit Farbe, geometrischer Formensprache und den verwendeten Materialien. So fördert er die Fantasie und die Suche nach persönlicher Bedeutung in seiner Kunst. 1975 wurde Honegger die Ehre zuteil, Frankreich auf der Biennale von São Paulo zu vertreten. Seine Karriere ist geprägt von zahlreichen Auszeichnungen, darunter der Kunstpreis der Stadt Zürich und die Ernennung zum Orden Commander des Arts et des Lettres, der höchsten künstlerischen Auszeichnung Frankreichs, die ihm 1985 verliehen wurde. Mit seinen Glasfenstern für verschiedene Sakralbauten – wie die Kathedrale von Nevers, die Kirche von Mouans-Sartoux oder die Kathedrale von Lüttich – schafft Honegger eine Harmonie zwischen Kunst und Architektur, in der Form und Farbe im Glanz des Lichts zusammenfließen.