Empfindliche Geometrien

Alberto Magnelli (1888–1971), Jean Leppien (1910–1991), Jean Deyrolle (1911–1967) und Emile Gilioli (1911–1977), die von der Galerie Lahumière für die Ausstellung „Sensible Geometrien“ zusammengeführt wurden, stehen beispielhaft für die Wiederbelebung der geometrischen Abstraktion im Frankreich der Nachkriegszeit. Die Künstler, geboren zwischen dem späten 19. und frühen 20. Jahrhundert und deutscher, italienischer oder französischer Herkunft, befanden sich künstlerisch nicht immer auf demselben Entwicklungsstand, da der Krieg für sie eine Zeit der Verbannung, der Gefangenschaft, der Isolation und großer Not gewesen war. Im optimistischen Klima des Wiederaufbaus erlebten Magnelli, Leppien, Deyrolle und Gilioli einen neuen Aufschwung in ihrem Schaffen, schlossen enge Freundschaften und stellten häufig gemeinsam in Pariser Galerien und Salons aus. Sie hielten sich nicht immer in der Hauptstadt auf, sondern bevorzugten mitunter die Ruhe und Beschaulichkeit der Provence, wo sich einige schließlich dauerhaft niederließen, wie Magnelli in Grasse, Leppien in Roquebrune oder Deyrolle in Gordes. Die in dieser Ausstellung versammelten Werke zeigen, wie Licht, Farben, Landschaften und Architektur des Südens zur Erneuerung ihres Schaffens beitrugen.

Für Magnelli, den ältesten der vier Künstler, markierte die Nachkriegszeit den Höhepunkt einer fast vierzigjährigen Karriere, die er zwischen seiner Heimat Italien und seiner Wahlheimat Frankreich verbrachte. „Reich an einer eigenen, stillen Geometrie“, so der Kunstkritiker Achille Bonito Oliva, strebt Magnellis Malerei nach einem Zustand rhythmischer Ausgewogenheit, in dem klar definierte, oft schwarz umrandete Formen von spitzen Winkeln zu Bögen übergehen, wie in „Variierte Formen“ (1958). Die matte Oberfläche der Farben, die mit Respekt vor der Bildfläche aufgetragen wurden, erinnert an die Freskomalerei, die dem gebürtigen Florentiner und großen Bewunderer Piero della Francescas so sehr am Herzen lag. Indem er seine Gemälde in ein zartes Licht taucht, schafft er besonders raffinierte Farbbeziehungen, die auf der Verwendung gedeckter Töne wie Braun, Ocker, Bister und Blaugrau basieren. Magnelli schuf so ein Gegengewicht zur strengen Architektur seiner Gemäldekompositionen: Er setzte die Sinnlichkeit seiner Farben und die Fließfähigkeit seiner Formen in Einklang. Diese geometrische Sensibilität sprach junge Künstler an, die sich von allzu starren Bildkonstruktionen befreien und sich informelleren Stilprinzipien zuwenden wollten.

Jean Deyrolle, der sich 1944 der Abstraktion zuwandte, schätzte besonders Magnellis Gespür für rhythmische Plastizität in seinen Gemälden. Das 1953 im Sommer in Gordes entstandene Gemälde „Malon“ ist repräsentativ für seine frühe abstrakte Phase. Hier sind geometrische Formen ineinander verschlungen und definieren große Farbflächen. Diese wechseln zwischen warmen und kühlen Tönen und erzeugen eine sanfte Harmonie, ganz im Sinne seiner Temperatechnik, die Magnelli ihm nähergebracht hatte. Das 1966 in einer Phase künstlerischer Reife entstandene Werk „Oreus“ zeugt von seinem methodischen und zugleich feinfühligen Malstil: Das zentrale Motiv des zerbrochenen Kreises, das sich durch das gesamte Werk zieht, erzeugt den Eindruck räumlicher Vibration auf der Leinwand. Schräge Risse, die das Bildfeld durchziehen, tragen zu einer fragmentierten Wirkung bei, die jedoch durch den fließenden und rhythmischen Farbauftrag mit dem Spachtel abgemildert wird. Dies verleiht dem Bild eine Ausdruckskraft, die auch aus der physischen Auseinandersetzung des Malers resultiert. Für Deyrolle entsteht die Sinnlichkeit des Werkes sowohl aus dem Pinselstrich als auch aus der Geste. In dieser Verbindung einer strengen abstrakten Bildsprache mit einer durch die Auseinandersetzung mit der Natur, insbesondere der Südfrankreichs, geweckten malerischen Sensibilität hat der Künstler seinen unverwechselbaren Stil entwickelt.

In Jean Leppiens Werk findet sich das Bestreben, allzu starre formale Ordnung durch einen fließenden Linieneinsatz zu vermeiden. Seine von Kandinsky geerbte Malereiauffassung, dessen Lehren er 1930 am Bauhaus folgte, besteht darin, „einen Geisteszustand in reine Formen und Farben zu übersetzen“. Tatsächlich resultiert die unbetitelte Komposition 6/49 LIII aus dem Jahr 1949 aus der dynamischen Artikulation großer, geschwungener Linien, deren Ineinandergreifen Farbflächen innerhalb der strengen Zweidimensionalität des Bildfelds abgrenzt. Die Verwendung einer geschmeidigen und präzisen Technik trägt zur Harmonie der Komposition bei, deren melodischer Charakter die Sensibilität des Künstlers zum Ausdruck bringt. Dieser poetische Zugang zur Malerei manifestierte sich später in der Verwendung eines satteren Farbauftrags und warmer Töne, die dem Werk eine leuchtende und sinnliche Präsenz verleihen. In den Gemälden dieser Periode vereint Jean Leppien Geometrie und Materialität, indem er die Elemente der Komposition stark vereinfacht und auf essentielle Zeichen wie den Kreis oder vom Rechteck abgeleitete Formen reduziert, wie beispielsweise in dem unbetitelten Werk 5/61 XIII von 1961.

Der Bildhauer Émile Gilioli, der sich nach dem Krieg der Abstraktion zuwandte – einer Zeit, in der er enge Freundschaften mit Künstlern wie Deyrolle, Dewasne und Poliakoff schloss –, strebte in seinem Werk ebenfalls nach einem Gleichgewicht zwischen Strenge und Sinnlichkeit: „Ich möchte, dass meine Skulpturen wie überreife Früchte sind, die vor Saft strotzen … Ich möchte meinen Statuen eine wahre Strahlkraft der Materie verleihen. Es ist dreidimensionale Skulptur, statisch, dynamisch und kosmisch zugleich, die ich schaffen möchte“, erklärte Gilioli 1946. Sein offenkundiges Interesse an Brancusis Werk führte ihn zu einer hoch entwickelten Abstraktion, in der die Perfektion der Volumen und die scharfe Präzision der Linien durch absolute Beherrschung der Materialien und Poliertechniken erreicht werden. Das Licht, das sich großzügig auf der vergoldeten Oberfläche der Bronze spiegelt, unterstreicht fließend den Übergang von Kurve zu Winkel, von dichten Volumen zu glatten Flächen, wie in *Cut Flower* (ca. 1946) zu sehen ist. 1960. Das Werk „Vitesse 1976“ greift zwei dem Künstler wichtige Themen wieder auf: die schräge Linie, die die Eroberung des Raumes veranschaulicht, und die Kugel, die die Sonne symbolisiert. Giliolis Skulpturen transzendieren durch ihre reine und elementare Form sowie ihre sinnliche und leuchtende Präsenz alle anekdotischen Details und erreichen das Universelle.

Die Ausstellung „Sensible Geometrien“ veranschaulicht, wie Alberto Magnelli, Jean Leppien, Jean Deyrolle und Emile Gilioli aus dem milden, lichtdurchfluteten Klima des Südens neue Inspiration für ihr Werk schöpften. Ihre Arbeiten mit ihren erdigen Farben und schimmernden Texturen, die von einem sanften, zarten Licht belebt werden, zeugen eindrucksvoll davon.

Domitille d'Orgeval