Panoramen

Jean Dewasne:
Von der Malerei zu Anti-Skulpturen und Architektur –
Ein Gesamtkunstwerk

Jean Dewasne, eine bedeutende Figur der geometrischen und konstruktivistischen Abstraktion, war 1946 zusammen mit Jean Deyrolle der erste Gewinner des Kandinsky-Preises. Im selben Jahr wurde der Salon des Réalités Nouvelles gegründet, dessen Komitee er auf Bitte von Herbin angehörte; seine Anwesenheit an seiner Seite sollte sich als entscheidend erweisen.

Jean Dewasne wurde am 21. Mai 1921 in Hellemmes bei Lille geboren und stammte wie Matisse und Herbin aus Nordfrankreich. Er war der Begründer der Abstraction-Création-Bewegung und später des Salon des Réalités Nouvelles. Sein Werk, geprägt von seiner Auseinandersetzung mit der geometrischen Abstraktion, der er sich unmittelbar nach Kriegsende widmete, ist bemerkenswert schlüssig.

1950 eröffnete Dewasne zusammen mit Edgard Pillet das Atelier d’Art Abstrait (Werkstatt für abstrakte Kunst), einen Ort der Lehre und Reflexion über die „Technik der Malerei“. Dieses kurzlebige Labor der abstrakten Kunst (es schloss 1953) rief nach Charles Estiennes Pamphlet „Ist abstrakte Kunst Akademismus?“ (Beaune Publishers, 1950), in dem er einen dogmatischen und kodifizierenden Ansatz anprangerte, umgehend heftige Reaktionen hervor. Sein Kollege, der Kritiker Léon Degand, antwortete mit einem Text mit dem Titel „Die Vogelscheuche des abstrakten Akademismus“.
In diesem polemischen Klima schuf Jean Dewasne seine ersten Gemälde. Bereits 1949 hatte er mit seinem Traité de la peinture plane (Abhandlung über die Flächenmalerei) die Grundlagen für sein Frühwerk gelegt. Nach seiner ersten Ausstellung 1941 in der Galerie und Buchhandlung Esquisse, wo er von Matisse und Seurat beeinflusste Motive präsentierte, zeigte er 1943 sein erstes abstraktes Gemälde im Salon des Indépendants und 1945 im Salon des Surindépendants, womit er sein Bekenntnis zur Bauhaus-Tradition unterstrich. Angesichts der Vertreter der lyrischen Abstraktion bezog er Stellung und etablierte sich als leidenschaftlicher Verfechter einer ästhetischen Linie: „Abstraktion ist eine Ethik, eine anpassungsfähige Lebensweise.“ Sein Aktivismus war umfassend und richtete sich sogar gegen die figurative Kunst. Er organisierte zahlreiche Veranstaltungen und Vorträge, um die Menschen vom fortschrittlichen Zweck der Abstraktion und der dringenden Notwendigkeit der Anerkennung einer konstruktiven Kunst zu überzeugen, die „direkt mit der menschlichen Gemeinschaft interagiert“. Sein erstes Wandgemälde, „La Joie de vivre“ (1948), enthielt im Wesentlichen seine Theorien zu Fläche und Form und schuf optische Täuschungen ohne Perspektive. Seine Theorien, die auf den Arbeiten von Mathematikern über abstrakte Räume basieren, greifen auf nichteuklidische Geometrie, Topologie, n-dimensionale Räume und die Vierfarbenlehre zurück und eröffneten Künstlern die Möglichkeit, die Grenzen der flachen Oberfläche zu überwinden und in völlig neuen, gekrümmten Räumen zu arbeiten.
Nachdem er sich neben Vasarely, Marie Raymond, Poliakoff, Deyrolle und Pionieren wie Hartung und Schneider zu einem der führenden Maler in der Galerie Denise René entwickelt hatte, stellte er 1953 sechs kleine Antiskulpturen aus, darunter „Der Chorknabe“ (Matisse-Museum, Le Cateau-Cambrésis).
Gemeinsam mit seinen Freunden Robert Jacobsen und Richard Mortensen trug er maßgeblich zum Aufstieg der geometrischen Abstraktion in Skandinavien, Belgien und insbesondere Dänemark bei.

Ein flächiges Gemälde. Konstruierte Farbe.
Die Anti-Skulpturen.
Glycerophthallack.

Dewasne entwickelte eine Formensprache aus einfachen, sich wandelnden Formen, die in komplexen Rhythmen im Barockstil angeordnet sind. Er nutzte flächige, leuchtende und kontrastierende Farben und verzichtete dabei auf jeglichen Bezug zur Realität.
1951 schuf er *Die Apotheose des Marat*, ein monumentales Gemälde mit den Maßen 2,50 Meter Höhe x 8,335 Meter Länge (1982 vom französischen Staat erworben und als Leihgabe im Musée des Arts de la Moderna/Centre for Industrial Creation in Grenoble ausgestellt). Ein Prototyp, gemalt auf Metall (1,68 Meter x 5,68 Meter in acht Tafeln) und ebenfalls auf 1951 datiert, existierte bereits (Sammlung Derom, Lahumière). Dewasne revolutionierte die Verwendung von Glycerophthallacken, einer Industrielackierung, die er zunächst auf Aluminium und später auf das neue, haltbare Material Isorel auftrug, bevor er Spanplatten und Sperrholz verwendete. Diese Bildträger ermöglichen eine ungefähre Datierung seiner Werke, die er selbst nur selten angab. Diese industriellen Techniken entsprachen seinen ästhetischen Vorstellungen und führten ihn zur Erforschung unerwarteter Materialien: Autokarosserien und selten Motorradverkleidungen (Serie „Grandeur Moto“), deren Volumen er wie eine Leinwand mit Erhebungen und Vertiefungen bemalte. „Ich fand das Heck eines Vorkriegsrennwagens, dessen Form mich faszinierte. Ich sägte den Boden ab, stellte ihn aufrecht hin und erkannte, dass ich sowohl die Innen- als auch die Außenseite bemalen konnte. Es ist keine Skulptur: Es ist ein Gemälde, das, anstatt auf einer flachen Oberfläche zu sein, eine hohle oder konvexe Fläche bildet.“
1951 schuf er seine erste Antiskulptur, „Das Grab Weberns“ (Centre Pompidou), die er auf die Karosserie eines Rennwagens malte, den er für
3.000 Francs auf einem Schrottplatz in Suresnes erworben hatte. Diese Karosserie wurde für ihn zum Symbol der Moderne. Diese Hommage an den großen Wiener Dodekaphonisten und Komponisten Anton Webern erinnert an seine Leidenschaft für die Musik (er war eine bekannte Persönlichkeit in Pierre Boulez' Domaine Musical) und verdeutlicht die Symbiose seiner plastischen und expressiven Forschung mit Mathematik, Architektur und Musik.

Dewasne erklärt den Begriff „Antiskulpturen“ so: „Es ging nicht um ‚Anti‘, sondern um Ehrlichkeit. Das Prinzip der Antiskulptur ist folgendes: Ich begann mit dem visuellen Vokabular, das ich auf einer flachen Oberfläche entwickelte. Dann fragte ich mich, warum ich das immer auf flachen Oberflächen mache, warum nicht auf Oberflächen, die sich im Raum bewegen und dabei die Zweidimensionalität der Malerei bewahren? Ich fand in der Industrie vorgefertigte Formen, die mir als Bildträger dienten und auf denen ich wie auf Leinwänden malte. Ich bin Maler, kein Bildhauer.“ Der Maler unterstreicht seine Identität durch die Verwendung der drei Primärfarben der Optik, die seine künstlerischen Erkundungen vereinen und die Grundlage seiner Palette bilden: Rot, Grün und Blau, wobei Gelb durch Oszillation erscheint. Weiß und Schwarz erzeugen Harmonien und Dissonanzen innerhalb eines Strukturierungssystems, das zunehmend radikaler wird.
Industriefarben – das Rot der Feuerwehrwagen, das Blau der Servicefahrzeuge – harmonieren mit einer Bildsprache, die zu seinem Markenzeichen wurde. Ab 1972 festigte die Serie „Männliche Gehirne“ die Zusammenarbeit mit Renault im Rahmen des Labors „Forschung, Kunst und Industrie“. Dewasne wählte Fahrgestellteile von Berliet-Saviem-Lkw mit einem Durchmesser von etwa zwei Metern aus den Montagelinien des Werks in Blainville-sur-Orne (Calvados) aus. Daraus
entstanden 24 Antiskulpturen. Mit ihnen erreichte Dewasne die Synthese, die er zwischen Malerei und einem nicht von einem Bildhauer, sondern von einem Ingenieur entworfenen Bildträger angestrebt hatte.

Konfrontative Architektur: Eine Gesamtkunstform
Der lange Marsch 1969

Dewasne wurde seinen Ambitionen gerecht, indem er seine
Kunst an die Technologie seiner Zeit anpasste. Er schuf Fotomontagen seiner „Antisculptures Cerveaux-Mâles“ (Antiskulpturen männlicher Gehirne), die er in die Stadt (Montparnasse-Turm) integrierte, überzeugt von der verbindenden Rolle abstrakter Kunst und Menschheit, und sie so zu einem Teil der urbanen Architektur machte.
In seinem Bestreben, ein Gesamtkunstwerk zu schaffen, veränderte er die Dimensionen. 1968 gestaltete er Wandmalereien für die Eissporthalle der Olympischen Spiele in Grenoble, gefolgt 1970 von denen für die ehemalige Bibliothek des Musée du Grenoble. Dieses im Stil Napoleons III. erbaute Gebäude mit seinen gewaltigen Kuppeln wurde durch eine Reihe von 60 Meter langen, 15 Meter breiten und 15 Meter hohen Paneelen transformiert. Die glänzende Lackierung fing das Licht ein und erzeugte reflektierende Effekte. Die auf laminierten, über Holzrahmen gespannten Trägern gefertigte Suite „Grenoble“ wurde später zum Abbau aufgerollt, was zu ihrer Zerstörung führte (wie Jean-Claude Lahumière seiner Tochter Diane erzählte).
Der 1967 entstandene „Lange Marsch“ wurde 1969 im ARC (Centre d’Art Moderne de la Ville de Paris) und 1981 im Centre Pompidou ausgestellt. Ursprünglich für die technische Oberschule in Haubourdin (Nord) vorgesehen, wurde er vermutlich nie installiert. Dieses Meisterwerk ist von Maos Bericht über den „Langen Marsch“ inspiriert. Komponiert wie eine Sonate, die eine fragmentierte, von Entbehrungen unterbrochene Reise voraussetzt, welche durch die unterschiedlichen Rhythmen und die chromatische Polyphonie evoziert werden, besteht er aus 36 komprimierten, im Ofen glasierten Tafeln mit einer Gesamtlänge von 88 Metern. Bei den 2014 an den Staat geleisteten und übergebenen Schenkungen hatte Patrice Deparpe lediglich eine Tafel im Museum von Villeurbanne ausfindig gemacht. Die anderen blieben unauffindbar.

Von diesen beiden monumentalen Werken sind nur noch die beiden damals von Jean-Claude und Anne Lahumière nach ihrer Begegnung mit Dewasne im Jahr 1968 angefertigten Ausgaben erhalten. Sie präsentierten „La longue marche“ auf der ersten Basler Messe im Jahr 1970.

In seinem Bestreben, eine Gesamtkunstform zu schaffen, in der der Betrachter das Werk interaktiv erlebt, entwarf Dewasne auf Anraten von Jean-Claude Lahumière eine kreisförmige Struktur: Red Habitacle 1972 (Le Cateau-Cambrésis, Matisse-Museum), die an die Form des Unendlichkeitssymbols erinnert. Die roten Emaille-Motive umfassen Volumen sowie konkave und konvexe Kurven, die sich in der schwarz lackierten Decke spiegeln. Als Höhepunkt seiner Arbeit an den Antiskulpturen beherbergt diese durchdringbare Aluminiumrohrkonstruktion ein kreisförmiges Fresko, das „uns in einen Wirbelwind hochgeometrischer plastischer Magie zieht“. Diese monumentale, durchdringbare Antiskulptur wurde in zahlreichen Museen ausgestellt, bis sie schließlich zur Einweihung des neuen Flügels des Carnegie Institute in Pittsburgh der Öffentlichkeit präsentiert wurde.

1975 setzte Dewasne seine Arbeit fort, architektonische Elemente in die Renault-Zentrale zu integrieren. Dies geschah im Rahmen einer von Claude-Louis Renard, dem Automobilhersteller, initiierten Zusammenarbeit mit zeitgenössischen Künstlern (Arman, Vasarely, Dubuffet, Soto u. a.). Dewasne schuf im Computerraum 40 Meter Gemälde und Alkydlacke auf Holz. Im selben Jahr erhielt er den Auftrag für die Hannover Metro. Die zerstörte Stadt, in der Leibniz gelebt hatte, diente ihm als lebendige Inspirationsquelle.

Dewasne schuf 1979 auf Einladung von Gori Vaerk, dem Leiter eines Chemiewerks in Koldong, Dänemark, eine Antiskulptur vor Ort. Sie besteht aus zwanzig kubischen Tanks mit konzentrischen Mustern, die in drei Reihen angeordnet sind, und den sieben Kilometern Rohrleitungen, die durch das Werk verlaufen. Ebenfalls aus dem Jahr 1979 stammt ein Wandgemälde, das noch heute im Gymnasium Jean Vigo in Millau zu sehen ist und auf das die Stadt sehr stolz ist.

Die Begegnung von Malerei und Architektur: die Grande Arche de la Défense 1986-1989

Diese monumentalen Werke, in denen Formen und Farben im Raum interagieren und die „Kommunikation des Geistes“ ermöglichen, überzeugten den Architekten Johan Otto von Spreckelsen, verantwortlich für den Entwurf der Grande Arche de la Défense, Dewasne, dessen Antiskulpturen er kannte, mit der Schaffung des größten Gemäldes der Welt zu beauftragen. Es werden nur zwei Seiten geschaffen, 100 Meter hoch und 70 Meter breit, die eine Fläche von 15.280 Quadratmetern Emaillefarbe bedecken, die bei 1200 °C auf einer Stahlplatte eingebrannt wurde. „Um den Wunsch des Architekten zu erfüllen und die Verbindungen auszudrücken, die Denken und Mensch vereinen, begann ich mit der Graphentheorie und stellte mir baumartige Kombinationen vor, die die Komplexität der Beziehungen zwischen Ideen darstellen“, schrieb er 1996.
Eine weitere monumentale Antiskulptur in Zeevenaar (Niederlande) für die Tabakfabrik Stuyvesant wurde in einem 7 Meter hohen Maschinenraum zu einer Hommage an Spinoza.
Das Thema des Gigantismus wurde 1995 mit einer beeindruckenden Arbeit für die Zeitung Politiken in Kopenhagen, Dänemark, fortgesetzt.
Von der 800 Quadratmeter großen Decke entfalten sich Motive, die alle Arbeitsbereiche überblicken.

Gemälde, Gouachen und Serigraphien

Die monumentale Dimension der in die Architektur integrierten Gemälde prägt auch seine Malerei, die stets auf Zeichnungen und Skizzen mit Fokus auf Struktur und Farbe basiert. Diese Arbeiten stellen eine parallele Tätigkeit dar, der Dewasne große Aufmerksamkeit widmete. Man kann sie als Staffeleibilder bezeichnen: „Der Schlüssel oder der Architekt“, 1959, lackierte Farbe auf Hartfaserplatte, Sammlung Lahumière, Paris; „Prometheus I“, 1952, Öl auf Hartfaserplatte (Schenkung Daniel Cordier, Centre Pompidou); „Großer Wagen“, 1958 (Schenkung Daniel Cordier, Centre Pompidou).

Einige Gemälde bewahren ihre monumentale Wirkung, wie etwa „Badia La Grande“, 1953 (Schenkung von Jean Dewasne, Leihgabe des französischen Staates an das Museum von Cambrai); „Aurora“ (Leihgabe des Postmuseums Paris), das mit der 1983 herausgegebenen Briefmarke in Verbindung steht.
Zahlreiche Siebdrucke reproduzieren seine monumentalen Werke: „La Grande Marche“, „Grenoble 72…“

Dewasne, ein visionärer Künstler
, erweckte die Kunst zum Leben.
Ein Verfechter von Farbe und Freude.

Mit seinen Antiskulpturen wurde das Bedürfnis nach immer größeren Räumen deutlich, die im Zentrum der Stadt und ihrer Bewohner stehen und die Gesellschaft verbessern sollen. Um dieser Utopie zu begegnen, wandte er sich erneut der Technologie zu. Er nahm Grafiksoftware vorweg, indem er mit Montage und Collage von Bildern und Fotografien arbeitete und diese in den urbanen Raum integrierte. Dewasne erzeugt spielerische visuelle Überraschungen innerhalb der Realität. Indem er die Farbe befreit, schafft er zufällige Räume auf der Grundlage nichteuklidischer Geometrie, was zu räumlichen Deformationen durch kontinuierliche Transformationen führt, die dem bekannten Möbiusband-Modell der Topologie folgen. Ordnung wird von Träumen abgelöst.

Farbenfrohe Anti-Skulpturen im Centre Pompidou

Nachdem Dewasne 1970 das Konstruktionsmodell des Centre Georges Pompidou der Architekten Renzo Piano und Richard Rogers entdeckt hatte, lud er sie in sein Atelier ein. Dort waren die Heizungsrohre bemalt und mit seinen Antiskulpturen umgeben. Die Wirkung war verblüffend. Sie waren sofort überzeugt: Die ursprünglich für das Centre geplante graue Farbe wurde verworfen. „Sie beschlossen, dies als Vorbild zu nehmen, weil ihnen das Problem plötzlich klar wurde: Das Centre Pompidou sollte farbig werden“, erklärte Dewasne.

1956 trat Dewasne der Galerie Daniel Cordier bei, einem seiner ersten Sammler. Für den ehemaligen Sekretär von Jean Moulin, der eine Galerie in der Rue de Miromesnil eröffnet hatte, die 1964 schließen sollte, war es Dewasne gelungen, „die gequälten Träume eines Piranesi in die abstrakte Malerei einzuführen und gleichzeitig eine überschwängliche Sensibilität trotz strengster Beschränkungen zu bewahren. Geometrische Malerei war kalt. Er hat sie barockisiert.“.

Anschließend wird die Galerie Lahumière das Werk in ihrer Pariser Galerie und auf internationalen Messen (Art Basel) ausstellen

Institutionelle Anerkennung

1966 fand die erste Retrospektive seiner Werke in der Kunsthalle Bern statt.
1968 vertrat er Frankreich auf der Biennale in Venedig.

Im Jahr 1993 wurde er zum Mitglied des Instituts der Akademie der Schönen Künste auf den Sitz seines Freundes Hartung gewählt.

Zwischen 1973 und 1989 gelangten Werke von Jean Dewasne durch Schenkungen von Daniel Cordier in nationale und institutionelle Sammlungen: Centre Pompidou, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, CNAP-FNAC, MACVAL, Statens Museum Kopenhagen, Postmuseen in Paris, Villeneuve-d’Ascq, Cambrai, Dünkirchen, Abattoirs Toulouse und weitere.
2012 vermachte Mythia Kolesartova Dewasne, die Witwe des Künstlers, dem französischen Staat den Großteil von Jean Dewasnes Werken und Archiven, deren Erbe sie war.
Diese umfangreiche Schenkung, die die Jahre 1940 bis 1990 umfasst, ergänzt die bereits bestehende Dewasne-Sammlung, die der Großzügigkeit des Künstlers zu verdanken ist. Die Werke wurden an Museen in Frankreich verteilt: Amiens, Caen, LAAC Dunkerque, Le Cateau-Cambrésis, Les Sables d'Olonne Abbaye Sainte-Croix, Nantes, Pontoise, Rennes, Saint-Etienne, Straßburg, Villeneuve-d'Ascq, MacVal, Museum für moderne Kunst Ville de Paris, Centre Pompidou.

Im Jahr 2014 wurde im Matisse-Museum in Cateau-Cambrésis eine große Jean-Dewasne-Ausstellung organisiert, die auf der Schenkung von Mythia Dewasne basierte.

Jean Dewasne starb am 23. Juli 1999

Lydia Harambourg,
Historikerin, Kunstkritikerin,
Korrespondentin des Instituts der Akademie der Schönen Künste