Auguste Herbin war von 1945, nach der Befreiung Europas, bis zu seinem Tod 1960 der bedeutendste Meister der geometrischen Abstraktion in Europa. Diese Periode markiert die Blütezeit seines gesamten Schaffens, das zu Beginn des 20. Jahrhunderts mit dem Pointillismus begann und sich über den Fauvismus zum Kubismus fortsetzte, dessen
wichtigster Vertreter er vor 1914 war.

Die Gemälde, die Herbin dann malte, streng abstrakt, bestehend aus einfachen und lebhaft farbigen geometrischen Formen, die in der Ebene angeordnet und innerhalb eines orthogonalen Rasters verteilt sind, zeichnen sich durch die Ausgewogenheit ihrer Struktur, den Rhythmus ihrer Komposition, die Beziehungen zwischen ihren Formen
und Farben, ihre perfekte Ausführung und, was wichtig ist, ihre Frontalität aus.

Es ist ein Privileg der Galerie Lahumière, in dieser Ausstellung eine Auswahl von 10 Gemälden aus den Jahren 1948 bis 1957 präsentieren zu können, die zu den repräsentativsten Werken dieser Periode zählen, darunter die berühmte Komposition Freitag II. aus dem Jahr 1951, die nach ihrer ersten Präsentation im selben Jahr im Salon des
Réalités nouvelles in Paris weltweit zu sehen war und anschließend in vielen Büchern als
Beispiel seiner Kunst abgebildet wurde.

Auguste Herbin kodifizierte daraufhin seine Sprache, die sich jedoch nicht als System beschreiben lässt: Er definierte ein Vokabular, das Formen und Farben miteinander verband, und entwickelte eine Grammatik, also eine Methode, diese zusammenzusetzen. Diese nannte er das „Plastische Alphabet“, dessen Prinzipien er 1948 in seinem Buch *L’art non figuratif – non objectif* (Paris, Édition Lydia Conti) veröffentlichte. Ausgehend von einem Thema, einem Namen, einem Buchstaben oder einer Zahl komponierte er seine Gemälde nach seiner Theorie: Diese basierte maßgeblich auf der Suche nach einer Universalsprache und sollte, so Herbin, von jedem verstanden und angewendet werden können. Seine Kompositionen entstanden durch akribische Planung. Zunächst fertigte er eine Zeichnung mit Zirkel und Lineal an, in der die Farbwahl präzise notiert war. Diese Zeichnung wurde dann in Gouache in kleinem Format umgesetzt und anschließend in Öl auf Leinwand,
meist in großem Format, ausgeführt.

Genau das veranschaulicht die Galerie Lahumière in ihrer Präsentation, in der das fertige Gemälde neben der Vorzeichnung und der Gouachestudie gezeigt wird. Diese Gegenüberstellung ist äußerst aufschlussreich und offenbart deutlich das Element der Improvisation, das trotz der strengen Berechnung, die jedem Werk zugrunde liegt, erhalten bleibt: Alles ist geordnet, und doch kann alles nach dem Empfinden, dem Blick und – man könnte sagen – der Inspiration des Künstlers verändert werden, wenn dieser Begriff in diesem Zusammenhang nicht unpassend wäre. Die Anordnung von Kreisen, Halbmonden, Dreiecken und Quadraten, ihre Proportionen und Farben können von der Zeichnung über die Gouache bis hin zum fertigen Gemälde variiert werden. Diese Veränderungen reichen von der Umstellung des Formats von vertikal auf horizontal beim Gemälde „A“ von 1955 bis hin zu spezifischen Punkten beim Gemälde „Noël“ von 1949, wo die Elemente von links nach rechts verschoben, vertikal gestreckt und ihre Proportionen verändert werden. Für das Gemälde „Sommer 1952“ gibt es jedoch nur wenige Variationen. Was das großartige Gemälde „Parfüm II“ von 1954 betrifft, so hat seine Komposition an Klarheit gewonnen, alle Formen sind gut voneinander getrennt im Verhältnis zur Gouache, die letztendlich etwas verworrener wirkt.

Wo wir einen Gedanken in Aktion sehen. Wo wir den kreativen Prozess miterleben. Wo wir entdecken, dass selbst in der restriktivsten Kunst Raum für Veränderung ist.

Auguste Herbin übte in dieser künstlerisch so reichen Zeit weltweit einen beträchtlichen Einfluss aus: Seine Gemälde mit ihrer majestätischen Präsenz waren die treibende Kraft. Auch die Theorien des Künstlers spielten eine bedeutende Rolle, und sein Buch wurde viel gelesen, diskutiert und interpretiert. Schließlich
trug auch seine Persönlichkeit maßgeblich dazu bei, insbesondere im Salon des Réalités Nouvelles, den er leitete, ebenso wie der herzliche Empfang, den er jungen Künstlern bereitete, die ihn besuchten.

Mehr als nur seine Schüler wie Henri Lhotellier, zahlreiche Künstler, inspiriert von seinem Werk, fanden ihren eigenen Weg und wurden zu bedeutenden Schöpfern in Frankreich, Belgien, Deutschland, Skandinavien und sogar Island. Aurélie Nemours, Jean Dewasne, Carlos Cairoli, Georges Folmer, Vera Molnar und Nicolas Schöffer, um nur einige der führenden französischen Künstler zu nennen, gehören dazu, angefangen 1960 mit Victor Vasarely selbst, der sein eigenes „Plastisches Alphabet“ schuf. Geneviève Claisse, seine Nichte und Assistentin im letzten Jahr seines Lebens, entwickelte seine Kunst später auf persönliche und höchst vielfältige Weise weiter. In Belgien ragen Jo Delahaut, in Deutschland Günter Fruhtrunk, in Schweden Olle Baertling, in Finnland Lars-Gunnar Nordström und in Island Erikur Smith unter den großen Künstlern jener Zeit heraus. Baertlings Malerei beispielsweise repräsentiert treffend das europäische Äquivalent zu der zeitgenössischer nordamerikanischer Künstler, unter denen wir – endlich! – nicht unerwähnt bleiben dürfen. - der Name von Carmen Herrera.

Die Liste ist beeindruckend und sie hört nicht auf: In der nächsten Generation müssen Alejandro Otero, Jean Tinguely, Pol Bury, Yaacov Agam, die Mitglieder von Equipo 57, erwähnt werden und werden zu den führenden Köpfen der kinetischen Kunst gehören.

Können wir Auguste Herbin, eine der Glanzleistungen der französischen Kunst, ignorieren?

Serge Lemoine,
3. August 2022