Im Jahr 1913, dem Entstehungsjahr des in dieser Ausstellung präsentierten kubistischen Gemäldes *Die Korkeiche*, hatte Herbins Weg durch die Geschichte der europäischen Avantgarde bereits beachtliche Erfolge erzielt. Ausgehend von Van Gogh und Cézanne, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts seine einzigen Vorbilder bleiben sollten, und am Vorabend des Ersten Weltkriegs, konnte Herbin bereits eine internationale Karriere aufbauen, die von seinen ersten Galeristen unterstützt wurde. Als Fauvist und später Kubist stellte er mehrfach in Deutschland, der Schweiz und den Niederlanden über Wilhelm Uhde sowie in England über Clovis Sagot aus. 1913 galt Herbin als anerkannter kubistischer Maler; seine Malerei verkörperte die Moderne, seine kräftigen Farben, seine Kühnheit in der Dekonstruktion von Objekten und der Darstellung der Realität führten sogar dazu, dass eines seiner Landschaftsgemälde von 1910 von der englischen Zeitschrift * The Tatler* verspottet wurde. Er zerschnitt eines seiner Gemälde in drei Teile und gab jedem einen Titel, der das jeweilige Thema veränderte, um Herbins Art der Naturdarstellung zu verspotten. Bereits 1908 erklärte er dem amerikanischen Kunstkritiker Gelett Burgess: „Ich verzerre die Natur nicht. Ich opfere sie einer höheren Form von Schönheit und dekorativer Einheit.“

Neben der zentralen Rolle der Farbe offenbaren seine kubistischen Gemälde und Zeichnungen eine ausgeprägte Vorliebe für Geometrie, die sich im Laufe der Jahre noch verstärken sollte. Das Werk „Komposition mit einem Krug“ , das einen halben Krug im Zentrum zeigt, präsentiert eine Fläche aus farbigen geometrischen Ebenen aus Dreiecken, Rechtecken und Parallelepipeden, die sich jeweils durch ihre Farbe voneinander unterscheiden. Abgesehen von einer leichten Farbabstufung am Rand des Kruges finden sich kaum oder gar keine Volumeneffekte, keine illusionistische Perspektive und keine Zerlegung des Objekts in Facetten, wie sie in vielen kubistischen Werken zu finden ist. Stattdessen entsteht eine große Dynamik durch die Anordnung der flächigen geometrischen Formen.

Diese Methode, Bewegung allein durch geometrische Formen zu erzeugen, trat im Laufe der Jahre immer deutlicher hervor und gipfelte in der Periode der monumentalen Objekte von 1918 bis 1921 – einem einzigartigen Experiment in der Geschichte der französischen abstrakten Kunst. In der Komposition von 1920, einem abstrakten Werk, scheint die Beziehung zwischen Hintergrund und Form zu verschwinden; Herbin bekräftigt damit seinen Sinn für das Dekorative im edelsten Sinne des Wortes und räumt Form und Farbe den Vorrang ein. Es ist erst 1920, und seine Reise in und hin zur abstrakten Kunst ist noch lange nicht beendet. Nach einer figurativen Phase zwischen 1922 und 1925, die im Geiste des Purismus von Amédée Ozenfant und Le Corbusier sowie des magischen Realismus nach Franz Roh geprägt war, organisierte, verteidigte und förderte Herbin in den 1930er Jahren durch sein maßgebliches Engagement im Künstlerkollektiv Abstraction-Création, das er gemeinsam mit Jean Hélion, Georges Vantongerloo und Etienne Béothy gründete, die abstrakte Kunst. Die gleichnamige Zeitschrift, die von der Vereinigung herausgegeben wurde und von 1932 bis 1936 jährlich erschien, zirkulierte weltweit und machte Paris und die jährliche Ausstellung der Gruppe zur internationalen Hauptstadt der abstrakten Kunst in all ihren Facetten: Konstruktivismus, Neoplastizismus, Abstrakter Expressionismus und viele andere, darunter auch die kreisförmige Abstraktion, wie sie sich damals in Herbins Werk durch die Voluten und Kurven manifestierte, die für ihn einen universellen Rhythmus ausdrückten.

Ende der 1930er Jahre entdeckte Herbin eher zufällig Goethes Farbenlehre, die in Frankreich noch wenig bekannt war. Diese Entdeckung erwies sich für ihn als wegweisend, denn durch Experimente ab 1939 erkannte er, dass Farbe sich intensiver ausdrückt, wenn sie von einer geschlossenen Form umschlossen ist. Deshalb wichen Linien allmählich Formen, wie etwa in „Geistige Wirklichkeit“ von 1939. 1942, nach vielen Experimenten und Forschungen, inspiriert von den Werken Rimbauds, Baudelaires und Bachs, mit denen er die Vorliebe für Korrespondenzen teilte, gelang es ihm, eine überzeugende Methode zu entwickeln, um sich selbst und die geometrisch-abstrakte Kunst zu erneuern. Diese Methode sollte die nächste Generation maßgeblich beeinflussen.

Herbins Reise im großen Abenteuer der abstrakten Kunst begann zwar zu Beginn des 20. Jahrhunderts mit Cézanne und Van Gogh, doch nach 1945 bauten Künstler wie Vasarely, Soto, Agam, Baertling, Fruhtrunk und viele andere ihre Karrieren auf seinem Werk auf, die allesamt diesen Einfluss anerkannten, genau wie Herbins Generation im vorangegangenen Jahrhundert den Einfluss Cézannes. Merkwürdigerweise „Die Korkeiche“ von 1913 und „Adam und Eva“ von 1943 in der Ausstellung zu spiegeln, als ob das figurative Werk bereits die Keimzelle des endgültigen Werkes, des Magnum Opus, enthielte: das visuelle Alphabet. Vielleicht erkennen wir so das Schaffen eines Giganten.

Céline Berchiche, April 2024

*Charles Baudelaire, zweite Strophe des Gedichts „Korrespondenzen“, erster Abschnitt „Groll und Ideal“, Die Blumen des Bösen, 1857.